La nueva lista de nominados para el Tony Award, el premio considerado como el más importante del teatro estadounidense, trae este año varias sorpresas. Creo que la más interesante es el liderazgo de "In the Heights" en el número de nominaciones: trece. Es interesante por dos cuestiones "étnicas": la primera, que se trata de un musical de gran formato, mezclando música latina, salsa en especial, con rap y hip hop, en una obra que es descrita como una fresca sensación, y que refleja el mundo de los barrios neoyorquinos en que se hacen y rehacen las identidades de los migrantes latinos, -y de todas partes del mundo. La segunda, que el actor principal y compositor, el puertorriqueño Lin-Manuel Miranda (28) está convirtiéndose en el nuevo chico maravilla de la industria teatral de la gran urbe.
Por cierto que el relato del musical es bastante convencional: perseguir los sueños, descubrir el mundo, cumplir las metas. Ya saben, toda esa mitología del american dream que se parasita a sí misma, y que sigue siendo de interés para un público tranquilo de ser como es, aunque los personajes ahora sean latinos y ya no migrantes italianos o alemanes. Lo que digo es que el formato repite muchos de los espectáculos canónicamente considerados "de Broadway". Por supuesto, habrá que estar atentos a las críticas, a ver si alguien se anima a hacer las preguntas incómodas: ¿cómo se describe a los latinos en la puesta? ¿algo de la supuesta visión hispana/latina/migrante o como la llamen, es realmente desafiante a la visión universalista de espectáculo empaquetado típicamente por las grandes industrias teatrales?
De lo que sí puedo dar fe, en mi breve experiencia como teatrista aquí, es de la dificultad que este país ofrece a los que quieren hablar de sus culturas originales en términos diferentes de los que los estereotipos americanos les endilgan. Es como si ser hispano-latino-migrante califica a los artistas para hacer solo cierto tipo de trabajos "étnicos" y solo ciertos temas (ya saben, el migrante llegando a pie, el pobre chambeando duramente por poca plata, etc., etc). Ni hablar de hacer El Público de García Lorca, ni hablar de la experiencia posmoderna con Pavlovski , preguntarse por la ilusión de la situación humana con Calderón, o el parricidio generacional con Triana. No señor: el teatro hispano de los EEUU debe presentar obras mediocres sobre temas de actualidad, que refuerzan la imagen del hispano que mejor se consume en los teatros, como si la problemática humana -las grandes preguntas sobre la vida- se reservaran al mundo anglosajón, y las problemáticas del resto del mundo fueran regionalizadas y condenadas a ser, en el peor sentido de la expresión, solo como culturas ajenas.
Quizás por ello, en general, el nivel técnico del teatro hispano de los EEUU está bastante atrasado respecto al nivel del teatro a secas, o sea, el del mundo en inglés. Y bastante lejos, también, del nivel técnico del teatro profesional de los países del mundo hispano.
Pero tal vez esos estereotipos y limitaciones están comenzando a desaparecer ante nuestros propios ojos. Tal vez.
***Para una lista completa de nominados al Tony, ver el NYT -la foto procede de allí- (aquí).
miércoles 14 de mayo de 2008
Teatros étnicos, teatros técnicos
miércoles 7 de mayo de 2008
Teatro en el Perú por E.A. Moreno-Uribe
Siempre es refrescante escuchar a un crítico de otro país enfocarse en nuestros productos artísticos. No solo porque es una voz diferente, un punto de vista "otro", sino también porque suele ser una opinión más independiente de las cortapisas y vaivenes a que solemos someter nuestras opiniones locales.
El crítico venezolano E.A. Moreno Uribe, si entiendo bien estuvo de paso por Lima, y allí reseñó dos puestas actuales: Al pie del Támesis, la obra dirigida por Luis Peirano con libreto de Mario Vargas Llosa; y Los Ríos Profundos, la reciente creación colectiva de Cuatrotablas basada en la novela de J.M. Arguedas, bajo la dirección de Mario Delgado. Ambas críticas han sido posteadas por su autor en el blog El Espectador, y allí les dejo el enlace (búsquenlas en el archivo de Abril). De paso les recomiendo darse un paseo por todo el Blog, y revisar la inmensa cantidad de información sobre teatro venezolano que se puede obtener con su lectura.
P.S. Como reconfirmando lo dicho, hoy (Mayo 8) Moreno-Uribe escribe sobre El último ensayo de Yuyachkani. También está en el Blog El Espectador.
lunes 5 de mayo de 2008
FITECA 2008
Antes de que se me pasen las fechas, quiero dejarles el enlace para que v
isiten (los que no estén en Lima) la web de la VII Fiesta Internacional de Calles Abiertas, probablemente el más grande festival comunitario de teatro del Perú, que se realiza cada año por la tesonera labor de La Gran Marcha de los Muñecones y otros colectivos de la zona, en el barrio de La Balanza, en Comas, al norte de la Capital.
La Programación de este año, es, como siempre variada, nutrida, sorprendente. Grupos de todo el Perú, los colectivos históricos, los que cuestionan todo, obras para los niños, el teatro de países vecinos. Una fiesta, más en el sentido andino que en el tradicional. Hecha por comeños para que la disfruten básicamente comeños, con invitados de todas partes,. Aunque tengo la sospecha que ya ha empezado a ser una movida que lleva a mucha gente de toda Lima, por esos días, para acercarse a los cerros y pintarse de sus colores.
miércoles 30 de abril de 2008
I COLOQUIO DE ESTUDIOS TEATRALES y PERFORMATIVOS, LIMA
Con enorme placer, y agradeciendo de paso la inmensa ayuda que me ha dado el actor y director Luis Kanashiro para las gestiones en Lima, les hago conocer esta
CONVOCATORIA
El Proyecto de Investigación Mallki, memoria teatral y
performativa, con el auspicio del Centro Cultural Peruano Japonés
de Lima, Perú, y la University of Minnesota; convoca a los investigadores, críticos y creadores, a presentar Ponencias para el I Coloquio de Estudios Teatrales y Performativos a realizarse en el local del CCPJ-Lima, del 1 al 3 de julio de 2008.
Las ponencias deberán tener una duración de 25 minutos,
de tema completamente libre, como parte de algunas de las Mesas de Discusión sugeridas por la organización. Las Mesas sugeridas a la fecha son:
*Historiografías teatrales y performativas; arqueología y antropología de la performance.
*Aproximaciones teoréticas y estéticas al teatro y performance; semiótica y teoría teatrales.
*Teatro andino, performance ritual y popular en los Andes.
*Teatro y pedagogía; teatro para la infancia y la juventud en América Latina.
*Teatro y performance de intervención social y cívica.
*Poéticas teatrales y performativas: reflexiones sobre creadores de América Latina.
Los interesados en participar deberán enviar un email con una propuesta de ponencia (10 líneas), y datos personales, antes del 5 de junio de 2008, a:
Carlos Vargas Salgado
Dept of Spanish and Portuguese
University of Minnesota, USA
Email: varg0056@umn.edu
Los participantes deberán hacer llegar vía email una copia de la ponencia por escrito, antes del inicio del Coloquio, con el objeto de facilitar la publicación de las Actas del I Coloquio, a realizarse hacia fines de 2008 con apoyo de la Universidad de Minnesota.
Toda participación y actividad dentro del I Coloquio, tanto para el público como para los ponentes, será enteramente libre de pagos.
lunes 28 de abril de 2008
BOAL
Dejé pasar muchos días sin comentar algo en relación a la encuesta (a la izquierda) que tuvieron la gentileza de responder. No es que discrepe de los resultados (discrepo, pero qué le voy a hacer), pero solo cruzaré la información arrojada con otras cuestiones sobre la importancia de los teóricos para el teatro de nuestra América. Es una situación harto compleja de revisar, pero tengo la sospecha que nos ataca un poquito de anatopismo cuando consideramos la influencia de los maestros europeos (Brecht, Stanislavski, Grotowski) por encima de los regionales (Boal, García, y debí mencionar además a Buenaventura, quizás). Mis razones son varias, pero dos principales: 1) que a los tres grandes europeos solo los conocemos de segunda mano, lo que no es necesariamente malo, porque quizás en la adaptación de quienes nos los enseñaron ellos, los adaptadores, pusieron mucho de su propia cosecha; 2) que la influencia de los europeos en nuestro teatro ha sido básicamente teorética, libresca si quieren, mientras que la influencia/presencia de los latinoamericanos fue real, en vivo y en directo, frecuente, y con obras puestas en escena, además de sus libros.
Tal vez por eso, en mi muy cerrada y provinciana opinión, cuando yo me pregunto por el teórico (o maestro, tal vez sea mejor nombre) más influyente en el teatro peruano, tendría que decir sin duda que es Augusto Boal o Santiago García, antes que los otros.
En el caso particular de Boal, solo cuando leemos los libros del brasileño, percibimos que su sentir acerca de la función del teatro popular, antirrepresentacional y contestatario pareciera calcar con exactitud las constantes en que se ha desarrollado buena parte de la teatralidad peruana de los últimos tiempos. No está demás recordar que Boal teorizó su famoso método de Teatro del Oprimido precisamente en el Perú, trabajando en programas de alfabetización en los 70´s. ¿Cuánto del trabajo de campo de Boal influyó en los teatreros peruanos, cuánto de la teatralidad latente peruana perfiló el trabajo del teórico y profesor brasileño? No lo sabemos, y es una tarea a la que vale la pena acercarse. De entrada, hay numerosas páginas de Boal dedicadas a su experiencias en barrios pobres de Lima y Chiclayo en El Teatro del Oprimido, su libro fundamental.
Solo compartiré con ustedes unas notas personales sobre el asunto. Cuando me vine a Minneapolis y empecé a tomar clases en el Departamento de Teatro de la U of M, descubrí para mi asombro absoluto que la imagen de Boal en las academias teatrales americanas es gigante, enormemente reconocida. No solo es el más grande teatrista latinoamericano que la etnocéntrica academia anglosajona conoce, sino probablemente el único. Sin embargo su reputación crece cada día, sus aportes y modelos de pensamiento desde el teatro circulan de forma apabullante, y, otra vez desde la perspectiva cerrada (y provinciana como todas) de los EEUU, los de Boal son aportes más celebrados que los de Grotowski (menos conocido que él, menos citado), y en el mismo nivel que los aportes teóricos de Brecht. ¿Interesante? Seguro que sí.
Gran parte del prestigio teatral de Boal viene de la extendida utilización de sus métodos en los community-based theatres de por acá, lo más cercano a un cierto movimiento de teatros populares en una estructura teatral tan clasista como la estadounidense. El método Boal es de gran provecho, y no solo su clásico libro arriba mencionado, sino también los Juegos para actores y no actores, y El Arcoiris del Deseo. Amén de las numerosas giras del profesor Boal por este país, su establecimiento del Centro de Teatro del Oprimido (CTO) en territorio estadounidense (ver Web), y los centros de aplicación pedagógica basados en sus teorías (ver Web) que organizan una Conferencia Anual. En fin, todo un movimiento. (Hay hasta polos, jarritos, y todo un merchandising que prefiero no contar entre lo mejor del CTO en EEUU, hasta que no me entere cuál es el destino de todo ese dinero y entonces sí pueda opinar).
Bueno, el caso es que en las varias clases que he tomado con gente del doctorado en Teatro, en todas, todas! apareció mencionado el método Boal. Y en todas, de pronto, nos mostraban ejercicios de integración, confianza, juegos de representación, juegos de desinhibición, improvisaciones, etc., y siempre me venía la misma sensación: "hey, yo ya hice todos estos ejercicios en el Perú, todos estos son los mismos que todos los talleres del MOTIN, o de la Muestra, vienen haciendo desde que yo tengo uso de razón (teatral)".
Así es que siempre vuelvo a mi convicción de que, quién sabe cómo, quizás somos más boalianos de lo que creemos.
Nota: Conozcan el Centro do Teatro do Oprmido, el firme, el de Río de Janeiro, aquí.
lunes 21 de abril de 2008
Festival Internacional de Teatro de la UCSUR
Muchas cosas son destacables en el Festival Internacional de Teatro (19 al 26 de abril) (Ver la Web) que organiza la Universidad Científica del Sur, en Lima, pero quiero especificar las que me parecen casi noticias de primera plana:
1. Que una universidad nueva y relativamente pequeña, haya abierto un Centro Cultural, sacudiéndose de la idea de que la cultura es una actividad para la que nunca hay presupuestos, y de esa manera haya sacado ya varios cuerpos de distancia en imagen institucional no solo a las otras universidades de su generación, sino tristemente a algunas muy viejas Universidades que nunca se tomaron en serio su deuda cultural con el país en el que hacen negocios educativos.
2. Que este Festival de Teatro sea un evento gratuito, en donde el público puede acceder por una vez a buenos espectáculos solo a través de su interés en hacerlo. La UCSur está haciendo algo casi histórico: está ofreciendo una lectura alternativa a las tendencias dominantes del quehacer cultural peruano, abanderado por entidades privadas que afirman que la cultura es una cosa elitista y el teatro debe costar bastante caro para ser realmente valorado. Aquella es solo su lectura de la realidad, y como lectura tiene sus pros y contras. Esta otra, la de este Festival, subraya la idea de que es necesario ampliar la base de eventuales consumidores, mostrarles primero el valor de lo que se ofrece antes de querer construir grandes industrias culturales que solo traerían más beneficio a las beneficiados de siempre. Es decir, la alternativa es que hay que construir públicos. Se darán cuenta de qué lado me siento más cercano: siento que no hay nada más ajeno a la utilidad del arte que espectáculos a los que la gente asiste como a un restaurante caro: pagando harto, estresada por el precio y la narices respingadas, y solo una vez en su vida.
3. El Festival hace coincidir teatro extranjero y nacional (de toda la Nación), teatro profesional oficial y el más experimental posible. También teatro universitario. Es decir, un encuentro de muchas formas, tesituras y opciones de teatro. El beneficiado es el público. Otro atractivo es poder asistir a la Sala Alzedo y el Teatro Segura, en el centro de Lima y conocer tales monumentos; o al bonito teatro que tiene la UNMSM en su campus, el Ellen Dunbar.
4. Y al frente de esta iniciativa está Percy Encinas, alguien que está vinculado a la actividad teatral, y lleva como Coordinador a Luis Paredes, uno de nuestros más asiduos críticos teatrales. Ello explica, a mi modo de ver, la consistencia de la programación. Además, se cuenta con la participación de académicos de EEUU y Europa, quienes además dictarán charlas y talleres.
En fin, méritos hay. Este Festival, creo yo, está llamado a cubrir un enorme vacío en nuestro modo de interpretar la producción cultural.
Vean la PROGRAMACION COMPLETA en este enlace.
Y también, si les da el ánimo, revisen la columna de don Alonso Alegría y sus pronósticos para este Festival.
En la Foto: La Remolienda, Cía. Nacional de Chile, uno de los invitados extranjeros.
viernes 18 de abril de 2008
Mnouchkine y la efímera forma de vivir
Quiero solo llamar su atención respecto a una crítica publicada en El País, sobre Les Ephemeres, el espectáculo del Theatre du Soleil que dirige Arianne Mnouchkine. Además del artículo, encontré un breve extracto de la pieza que pueden ver aquí, y un video hecho en Buenos Aires con la construcción del escenario para la puesta hace un tiempo, el video por acelerado resulta casi angustiante, y eso a
l final parece coordinar bastante con el espíritu de la puesta. Allá va.
jueves 17 de abril de 2008
Mario Delgado en la Revista Textos de Teatro Peruano
Este 21 de abril de presenta el número 6 de la Revista Textos de Teatro Peruano, que editan Mary Soto y Bruno Ortiz en Lima. Este número estará dedicado a la dirección teatral, y contendrá textos de 36 directores de toda la nación, además de ensayos de críticos e investigadores invitados, como Gustavo Geirola y Carlos Espinosa. Mientras espero que llegue mi ejemplar, los dejo con la primicia que me remitiera gentilmente Bruno: un artículo de Mario Delgado, director de Cuatrotablas, y que es una suerte de manifiesto sobre el nuevo tiempo del teatro en el Perú. Las fotos me las facilitó también Bruno, y pertenecen a los espectáculos: Gesta del Guerrero Moche, y Perdidos en una sucia noche, de Brugas producciones (Lima).
DEL PORNO DURO DEL TEATRO PERUANO
A LOS EDIFICIOS TEATRALES
DEL TEATRO DE GRUPO
Vivimos hoy un tiempo duro. El teatro en general está volviendo al teatro del siglo XIX.. Conservador y altamente técnico. Directores buenos y de gran calidad que dirigen textos clásicos y modernos con herramientas moderna, capturaron lo moderno para “ensuciar la cara limpia del teatro conservador”.
PRELIMINARES,
Con estas líneas abrí el primer libro sobre Cuatrotablas, compilado por diversos artículos a través de los primeros 30 años de laboratorio. Han pasado 8 años de las palabras escritas al inicio del libro y hoy suenan a premonición...
Tiempos duros, nos han tocado vivir en la plenitud de nuestras vidas. Tengo 61 años cumplidos; pero todavía resuenan los tambores de OYE y se agitan las banderas ensangrentadas. Mi país no es feliz. Y los “altos niveles” del poder, en la cultura; reaccionan al nombre de “Arguedas, el suicidio de un país” nombre que “he tenido que cambiar por el marketero: “Arguedas, los ríos profundos” y aún así, Arguedas suena a subversivo.
Se le rinden honores en las “más altas esferas de la cultura oficial” pero no se permite el auspicio al espectáculo que quiere llegar a “un millón de niños y jóvenes del
Tiempos duros, porque “aparentemente” no hay censura, sólo “el veto directo de los amigos propios”. Tiempos duros que obligan a acondicionarnos, a adaptarnos, dirigirnos, conducidos a un país feliz, no suicidado.
Cuando hablo de país suicidado, estoy hablando de ese “viejo país feudal, el del pongo” que tomó la pistola y lo ayudó a José María a destruirse. Ese mismo país con ese acto dio fin a una ignominiosa etapa desde la fundación de
Tiempos duros para un nuevo país que Arguedas soñó. Tiempos duros para ese viejo país al cual un militar del ejército pata en el suelo, terminó de enterrar y que no quiere irse del todo. ¿Yo vi a Saturnino Huillca, `acompañado de los alcaldes indios don Pablo Maywa y don Víctor Puza`, ingresar al Congreso de la República un 3 de octubre del `75? para inaugurar el I Congreso Nacional Agrario. Esa mañana a las 9.00 am. tembló literalmente Lima bajo 6 ó 7 grados Richter.
Tiempos duros para hablar del Porno Duro del Teatro Peruano. Ya Grotowski en 1989 nos dijo en Pontedera, “van a tener que prepararse de los “yupis” teatrales – como Peter Brook – para negociar con el gran capital y poder sobrevivir en el futuro. El gran capital va a invertir en el espectáculo. Y el teatro se va a confundir con él.
El teatro de arte, esta más cerca del ritual “grotoskiano”, que del gran espectáculo mediático del teatro de hoy, el “Arte de la Globalización”, ha desvirtuado nuestras búsquedas. Todo el teatro peruano fue siempre de grupo, independiente, colectivo o empresarial, rústico o fastuoso, nunca hemos tenido un teatro oficial como decisión democrática del Estado. Como en Alemania, donde la definición oficial del teatro que el Estado produce es la más cercana a una utopía que en el Perú nunca se llegó a dar. Y no sólo en el teatro sino en todas las artes.
Entonces, ¿Qué pueden hacer los directores con sus empresas, cuando éstas dependen del gran capital, de los “sponsors” y de la celebración del público y su afluencia?.
Defino teatro de empresa frente al teatro colectivo. Dos formas de producción que han determinado la actividad social del hombre desde los albores de
En el Perú desde el teatro Marzano, hasta un claro del último pueblito de la selva peruana luchan por un
Pero sin embargo, -algo- está definiendo esta confusa búsqueda, que nos lleva al Porno Duro de las grandes empresas hasta los edificios teatrales del Teatro de Grupo.
¿A que llamo el Porno DURO? Conmover al público con un clásico, llámese FAUSTO o ÑA CATITA ya no es un negocio. La gran masa consumista del Perú que va de los acantilados miraflorinos a los bosques ecológicos de San Isidro, exige más. Está hambrienta de emociones.
Emociones altamente reprimidas que pasan de lo más oculto y sórdido de nuestra sociedad. Vemos con asombro cómo directores afamados recurren a obras cinematográficas que en su momento tuvieron gran impacto y que nos permiten ver a un guapo modelo actor con una actriz de televisión, increpar a otra guapísima modelo de nuestro canal oficial, sobre los niveles más duros de sus relaciones sexuales, ver a fortachones actores - strippers haciendo de héroes y coros griegos ante una masculina y fuerte ISMENE y una femenina y débil Antífona, ver a otra importantísima actriz defensora de los derechos humanos sufriendo un intento de violación a gritos destemplados por parte de un energúmeno actor icono de nuestra TV comercial y “formado actoralmente en el extranjero”, quien luego a su vez se convertirá en la víctima ultrajada por la tamaña heroína. Ver bichos
Las ansias de ese aterrador y pudiente público consumista ha sido saciada a medias; diría yo; porque el gran PORNO DURO del teatro se está haciendo a escala mundial, a través de los grandes espectáculos financiados por los grandes festivales que el gran capital auspicia y el público consume.
Que pena, como diría un viejo maestro o mi padre, “tanto talento digno de mejor causa”.
Frente a este desolador? panorama... surgen los Edificios Teatrales. Del teatro de grupo, desde el corazón de la ciudad hasta los extremos del sur y el norte, los teatros de grupo van surgiendo sobre ladrillo y cemento, en medio de los antes arenales y hoy pujantes ciudades. Tirándose abajo viejas casonas solariegas para organizar galpones de teatros modernos. En ello se construyen los principios y la ética de una practica escénica dirigida a expresar lo bueno lo malo y lo feo del país. Un teatro pobre de escenarios, luces y tecnologías en el que el actor se transforma en el eje de una acción dramática que nos devuelve la realidad transformada. Un teatro que con enorme pasión entrega los insumos que el “otro teatro” tomara para hacer de este un producto de consumo artístico. Un teatro subvencionado en el mejor de los casos, por grandes fundaciones u ONGs ansiosas de consumir contenidos que les den sentido a su existencia.
Sponsors o fundaciones, grandes bancos o los excedentes de los bancos, que se reparten a los países pobres sin teatro y que permiten que hoy tengamos en el Perú este dramático y contradictorio panorama.
Estas Ideas las comencé a imaginar hace un año, en un artículo del cual lo más seguro era el título. El titulo demasiado extremista me hizo pensar en un momento que no era tan extremadamente dura la realidad teatral y que ésta no se merecía una reflexión sin esperanza.
Sin embargo, este fin de semana dos espectáculos me hicieron pensar que esta era una urgente reflexión.
Un edificio teatral produce, un experimento escénico en el que maravillosos actores teatrales del Teatro de Grupo, luchan por dejar de representar para ser. Están vivos porque han sido capaces de mirar su muerte. Brillante propuesta de uno de los grupos más insignes del teatro colectivo peruano.
Y por otro lado, una propuesta empresarial de un
Chorrillos, 9 de abril de 2008
Centro Piloto Cuatrotablas
miércoles 16 de abril de 2008
Vallejo, otra vez
NOTA: Publiqué esta entrada en diciembre del año pasado, con motivo del aniversario de Chaplin. Ahora toca el aniversario de muerte del poeta peruano, y perdonarán que vuelva a postearla pero se trata de un breve homenaje, recordando algo distinto de nuestro Vallejo.
Segunda nota: Les recomiendo visitar el Blog Laxion de Cuatrotablas, y ver algunas escenas (abajo a la derecha en dicho blog) de su puesta titulada precisamente "Vallejo". El enlace aquí.
Se cumplen 30 años de la muerte del gran Charlie Chaplin, y los homenajes han vuelto a escena. En la Página Web oficial de Carlitos pueden hallar noticias, fotos, menciones bibiográficas, etc, e incluso en Youtube se puede encontrar trozos de sus extraordinarias películas. Por mi parte solo quiero traer a cuento que el inmenso prestigio de Chaplin en la primera mitad del siglo XX, impresionó a muchos artistas de teatro en todo el mundo (recuerden la legendaria mutua admiración que se profesaron, dicen, con Bertolt Brecht), y en especial a un escritor peruano también de enorme talla: César Vallejo.
La admiración del Cholo universal por personajes como Charlot, el vagabundo al que Chaplin hizo estrella de muchas de sus cintas, no es un secreto. Vallejo le dedicó varios artículos, algunos prodigiosos como “La pasión de Charles Chaplin”, según ha enjuiciado Winston Orrillo. Otro ejemplo es este breve artículo vallejiano que recogió Mirko Lauer en su antología sobre las Polémicas Vanguardistas en el Perú, y que mantiene online el excelente proyecto de Bibliotecas Virtuales de la U. de San Marcos (ver aquí).
Cierto que poco se menciona, además, que el gran poeta peruano fue un apasionado por el teatro hacia el final de su corta vida, y que escribió para él varias obras y acaso el más ambicioso proyecto de teorización teatral que hiciera un dramaturgo latinoamericano, acercándose a lo que más complejamente plantearía Brecht. El principal estudioso de la estética teatral de Vallejo es el peruano Guido Podestá, que enseña en la U. de Wisconsin. Justamente es Podestá quien ha dedicado trabajo a estudiar un texto teatral vallejiano, lamentablemente incompleto, llamado ¨Dressing Room¨ en que el peruano hace encontrarse a Chaplin con su alter ego, Charlot.
Pero volviendo a Vallejo, las relaciones que puede hallarse con Chaplin superan lo casual, y para ello sería interesante leer lo que el gran crítico cubano Fernández Retamar escribiera en el Prólogo a las Obras Completas de Vallejo, que copio para que no se diga que me lo inventé:
“Esta poesía (vallejiana) de lo tierno y lo grotesco, que tuerce un sombrero entre las manos y sale agarrándose los pantalones, que hace reír y llorar, y reparte palmadas en las espaldas porque al cabo a todos nos ha pasado esto de estar vivos; esta poesía nos recuerda mucho (y más que a otro poeta) a un artista a quien Vallejo admiró sin reservas: Chaplin. Quizá se diga algún día que sólo en los versos de César Vallejo, sobre todo en sus Poemas humanos, el arte moderno encontró un parigual de la conmovedora saga del hombrecito del bastón, el sombrero hongo y los zapatones; de la historia del desconocido lleno de humanidad que hizo reír y llorar a grandes y chicos.(…) En los poemas de Vallejo pasan cosas: es la suya una poesía llena de temporalidad; y es una poesía dramática, en todos los sentidos: incluso en el de que en ella tiene lugar un drama. Sabemos cuál es su protagonista, porque nos es nombrado varias veces: César Vallejo. Este es al poeta homónimo lo que Charlot es a Chaplin: su personaje y su verdad, su máscara y su rostro más real. A ese protagonista le pasan cosas, y esas cosas, digámoslo aunque parezca melodramático, o quizá precisamente por ello, esas cosas se llaman la vida”.
Se queda uno perplejo.
Bueno, el aniversario de Chaplin me lleva a Vallejo, y Vallejo me lleva al teatro. Por eso hablando de aniversarios, el 2008 puede ser un buen pretexto para poner al autor de Santiago de Chuco en escena, especialmente porque será un año Vallejiano (70 años de su muerte), y además porque sus obras pasarán a dominio público. Es verdad que varias están en francés, pero ya han circulado dos ediciones con traducciones en Perú (1979 y 1999) ambas hechas por la PUCP, que se puede consultar.
lunes 14 de abril de 2008
Lima Norte de fiesta
Da un enorme placer ver cómo se inicia nuestra temporada de fiestas teatrales.
Y es una temporada, en verdad, que se prolonga desde el Día Mundial del Teatro hasta, creo yo, fines de noviembre. Es una suerte de Capac Raimi del Teatro, en el que se suceden festivales, encuentros, conferencias, presentaciones de libros, etc. Y lo he llamado Capac Raimi, porque coincide en fechas con lo que se sabe, antiguamente, animaba a los hombres que poblaron primero estas tierras, a festejar y cantar a la vida. No sé por qué, puede ser una simple coincidencia, tal vez, pero por abril empezaban también las grandes fiestas del Incario, el Inca Raimi Quilla, por ejemplo, que detalla Waman Puma. Puede ser que tenga algo que ver con el clima que tiende a enfriarse hasta llegar al solsticio de invierno en que el Sol probará una vez más que sigue siendo la energía real que nos permite estar vivos, y volverá a templarse poco a poco.
De cualquier modo, ahora con el inicio del Festival Internacional de Acciones Escénicas- Lima Norte, en Comas y otras zonas de Lima y otros departamentos, comprobamos cómo nuestros deseos de llenar el país con ritmos y colores no corresponden para nada con la imagen de ese país triste y predispuesto a morir en accidentes de tránsito, que venden los mercachifles de la prensa.
Les recomiendo darse una vuelta por la página del FIAE, y ver cómo ha crecido este proyecto, amparado por la fuerza de trabajo de Angelo Sandoval y los chicos del LIT, y por supuesto, acogidos por una comunidad que no queriendo entenderse como clientes sino como cooperantes (léase, en parte dueños) expresan un más sincero amor por las artes que el público común de una sala.
La fiesta seguirá, en unos días empezará el Festival de la UCSUR, y se presentará el número 6 de Textos de Teatro Peruano, vendrá la gigante FITECA, ya está andando el Fietpo, la Muestra Regional Norte en Chiclayo que organizará Mueca será en junio, luego vendrá el Festival de Waytay en El Agustino, y creo que tal vez la Muestra Regional en Lima, que como sabemos, es ya casi toda una muestra nacional por su impresionante volumen de participaciones. Me faltan datos para completar, de seguro, por favor usen los comentarios para hablar de lo que este relator transterrado 6000 km. al norte no conoce.
Quizás también se persuadan como yo de que hay un hilo que puede vincular todas estas fiestas, ese mismo que nos llevará hasta Ayacucho en noviembre, para el Encuentro que convoca Cuatrotablas, cuando la época de fiesta acabe, justo en el antiguo mes inca de los difuntos y de los huarachicus, pero también de la memoria, el Aya Marcay Quilla.
sábado 12 de abril de 2008
La sospechosa detención de Melissa Patiño
Una vez más hay que hablar de política, pero deseo hacerlo en tono de interés personal.
No puede ser que después de todas estas semanas, el gobierno peruano nos siga haciendo espectadores cómplices de su autoritaria manera de entender la seguridad interna. La detención de Melissa Patiño, poeta sanmarquina, en la frontera con Ecuador, debería haberse resuelto y pasado a instancias definitivas hace ya buen rato. Pero nada, ante la protesta de sus compañeros poetas, y de muchos periodistas e intelectuales, el gobierno solo ha tenido como respuesta el silencio y la dilación. Quiero decir que lo primero de lo que deberíamos estar espantados en este caso, es de la manera libérrima en que el Estado está interpretando sus obligaciones judiciales, pues con toda claridad no está respetando las normas de un proceso en un Estado de Derecho.
Yo no sé si Melissa Patiño es lo que dice el torpe informe de la fiscalía, que hoy ha hecho público el Blog Puente Aéreo (ver aquí) , ni conozco si hay otros intereses en los defensores de Patiño. Me remito solo a la información que gente seria como Rocío Silva Santisteban (ver aquí) y Javier Arévalo (ver) vienen colocando en sus Blogs. También sería bueno leer con detalle lo que el escritor Rodolfo Ybarra viene reclamando hace muchísimo tiempo (ver su blog).
Para mí está claro, para decirlo teatralmente, que "algo se pudre en Dinamarca".
Dicen que exigir nuestros derechos nos puede traer represión policiaca (y ya la hubo, miren este Post que la relata con claridad (enlazar)); algunos otros dicen que no pueden poner su mano al fuego por alguien a quien no conocen personalmente (vamos, nadie puede realmente poner la mano al fuego por nadie), pero yo reo que sí tenemos que ponerla por el respeto de los derechos civiles de los ciudadanos de nuestro país, sean jóvenes o viejos, poetas o futbolistas. Este es solo un caso, simbólico si quieren, de los miles de abusos contra la gente que no tiene padrino para comprar la justicia, o que tiene la mala pata de hacer temblequear al gorila de turno que ejerce el poder.
Por eso no lo podemos permitir: es por cuidarnos a nosotros mismos también, a nuestros hijos, a nuestros padres. No es solo el caso de esta chica, a quien seguro, igual que yo, la inmensa mayoría no conoce. Es por lo que ella representa también: una ciudadana peruana no puede ser tratada así por el Estado, que nos quiere convencer que de esa manera está asegurando nuestro territorio. Mucho cuidado con los aseguradores que se portan como esos payasos de la Pieza de Baden Baden de Brecht, que para solucionar el dolor de una pierna deciden cortarla. Y lo peor es que ya vivimos esos regímenes, esos mismos que prefieren dividirnos para mejor dominar, sembrando dudas entre ciudadanos no hay posibilidad de organizaciones que reclamen derechos, ya lo sabemos.
Esto es básicamente una cuestión de interés común: lo que le está pasando a una, nos afecta tarde o temprano a todos.
Hay otras reacciones y links en el Blog de Silvio Rendón (ver) .
viernes 11 de abril de 2008
Satyagraha
Solo quiero pasarles la voz que en la edición de hoy del New York Times, que pueden enlazar aquí, hay imágenes de Satyagraha, la reciente puesta de la ópera de Phillip Glass basada en la vida de Gandhi, y su trabajo como defensor de los derechos de los indios llevados a Sudáfrica por el Imperio Británico. La puesta usa técnica de títeres gigantes también. Hagan link en el video breve, porque creo que es bastante ilustrativo de la puesta.
Foto de la ópera, tomada de aquí.
Nuevos sujetos en escena
En el GCC pueden leer un Post que escribí sobre las "movidas teatrales" que se inician ahora mismo en los conos de Lima, con la apertura del Festival de Acciones Escénicas (10 al 20 de abril) de Santa Luzmila, Comas, Lima. El enlace aquí.
Aquí les dejo una foto que tomé en el FIAE del año pasado.
martes 8 de abril de 2008
Heston y una personal "teoría" de la representación
Murió Charlton Heston (n. 1923), uno de los actores más emblemáticos del gran cine de Hollywood. Gran cine se decodifica así: enormes producciones, historias épicas, personajes arquetípicos.
Lo recordarán tal vez en el infaltable Ben Hur que acompañó hasta hace poco nuestras lúgubres Semanas Santas. O tal vez vendrá a su memoria su Moisés de Los Diez Mandamientos, con su barbita falsa pero la mirada penetrante, impositiva (como el personaje, me dirán). Yo lo recuerdo más huyendo calato de un ejército de monos en El Planeta de los Simios, donde igualmente su cara tostada y su estampa de "otro
siglo" encarnaba los cánones más estrictos del héroe, del gran líder. Algo de eso hizo también en su Michelangelo, aun que le dio un toquecito facho.
Sin embargo, lo que yo no puedo quitarme de la memoria son las últimas performances memorables de Heston, precisamente porque no fueron lo que se diría muy humanistas ni cinematográficas. Me refiero a su destacada labor como Presidente de la Asociación Nacional del Rifle de los EEUU, una institución tan loca como su nombre, que aboga entre otras cosas por la tenencia de armas de forma libre. ¡Tenencia de armas para todos los ciudadanos en el país con el más alto índice de violencia por armas de fuego en el mundo! ¡En el país donde cada semana un loco entra y mata a los que no le caen por múltiples razones! Un loco generalmente simpatizante de la ANR. Y no se crean que Heston fue decorativo en su puesto: cada speech, cada intervención suya levantaba las mismas fuerzas morales que parecía levantar en los relatos heroicos que protagonizara en el cine oficial. Vean este momento, increíble, en que "Ben Hur" levanta el rifle gritando el espeluznante: "Desde mis frías manos muertas" (video).
O cómo olvidar esa entrevista con Michael Moore en Bowling for Columbine, cuando "Moisés" trata de aminorar el hecho de haber realizado su convención nacional del rifle justamente a pocos días de la matanza (y cerca del pueblo) que dio origen al Documental de Moore. O cuando defiende la violencia con armas, como parte de los valores que transmitieron (cito) "los buenos viejos hombres blancos que construyeron este país". Si son mayores de edad, pueden ver esa parte en este enlace.
Notarán a este punto que deliberadamente mezclo ficción y realidades para referirime a Heston, y que eso, según nuestras más caras creencias performativas, no se debe hacer. Y antes de que alguien me dispare en la cabeza un ejemplar de la Poética de Aristóteles (que ni siquiera estamos seguros que escribiera realmente el Estagirita), déjenme ilustrar mi punto un poco más:
Aquella división entre ficción y realidad es operativa y didáctica, pero probablemente es un espejismo teórico. Creo que cuando uno asiste a una actuación, no puede divorciar con meridiana claridad lo que es del actor de lo que es del personaje. En buena cuenta, uno actúa el personaje solo en la medida en que es el personaje. Todo el diapasón de recursos para el actor proceden de este registro personal de la existencia, desde las energías subconscientes hasta el acento con que repetimos el texto. Para no hablar del cuerpo, discursivo en sí mismo, significante de una experiencia personal (género, etnicidad, edad, talla, destreza, etc.) que se despliega constantemente ante los ojos de los espectadores. De esa manera, el discurso que construye el actor con su propia vida contamina su experiencia del personaje, y de paso la nuestra. Ya no es posible separarlos: en adelante ese sujeto que actúa es también el personaje, y en la memoria del espectador, por ejemplo, Moisés-BenHur-Miguel Angel son Charlton Heston.
De manera que no hay discontinuidad entre actuar y la supuesta energía ultraterrena que llega al escenario o el ecran: hay una línea real que las conecta, experiencias, grandezas y miserias de un ser humano.
De la misma forma, esa experiencia personal arrastra nuestra percepción de sus personajes, y la rehace permanentemente. Ya nunca más miraremos lo mismo en Heston después de su despliegue personal en favor de la violencia, y probablemente se lo toleraremos solo porque es él, precisamente, el héroe de la pantalla que se mezcla con la gente de carne y hueso. Lo triste es que quizás hagamos todo ese proceso de condensación de imágenes de manera inconsciente, aceptando simplemente cosas como ésta: "el mismo héroe que inspiró mi profundo cristianismo, o mi ética como artista, defiende ahora una nueva causa, sigámosle".
Entenderlo de la otra manera, la que escinde realidad y ficción, para mí, es como visitar de cerca los meadros de la esquizofrenia, o al menos, dejarse llevar por el fenómeno de un mundo duplicado en que ninguna sensación de la realidad tiene valor verdadero.
Creer en una cuarta pared que nos separa (y nos salva) de responsabilidad en el mundo de a pie, es quizás la modesta contribución del teatro occidental a la violencia de un mundo sin sentido.
lunes 7 de abril de 2008
"Papa-pan" y circo (y el Gran Combo Club)
(Nota: He sido invitado para ser Blogger del Gran Combo Club, un blog colectivo sobre política y cultura peruanas (pueden visitarlo aquí). Allí incluiré textos que no aparecerán en Mundo de Teatro, pero siempre, como ahora, les daré un anuncio y un link para acceder al artículo en el GCC. Este Post, sobre Juan Diego Flórez, apareció allí ayer).
Finalmente me quedó la duda: ¿y al Presidente le gustará la ópera? No sé si la ópera, pero al menos parece que sí se aficiona por ciertas formas de espectacularidad, sobre todo a cierto fasto de aliento barroco, como para no olvidar que el Dr. García es performático en todo lo que hace, y parece que también en lo que piensa.
Mi exordio tiene que ver con la forma en que el matrimonio religioso del tenor Juan Diego Flórez quiso ser convertido en espectáculo mediático, en particular (pero no solo) por la prensa pública. Quiso, digo, porque me dio la impresión que la cosa no funcionó: no llegó ninguna celebridad mayor, falló Brian Adams, Plácido andaba ocupado. Pero llegó el Dr. García, con hollywoodense despliegue policiaco, sí señor. Y de todas maneras la televisión pública se apuntó con un especial en vivo, la prensa desplegó fotografías de primera plana, la radio hizo eso que hace mejor: vociferó la misma noticia, a cada rato.
Seguir leyendo en: Gran Combo Club (enlace aquí)
miércoles 2 de abril de 2008
UBUWEB
De las páginas que me ha tocado "hallar" últimamente (ellas me hallaron a mí, en verdad, porque estaban allí hace mucho tiempo), ninguna me ha dejado más profunda impresión, ni provocado tal fanatismo como UBUWEB No sé quiénes son, no entiendo bien cómo consiguen lo que consiguen, pero hay material in-cre-í-ble para los fanáticos de cine-teatro-poesía-performance, un material que llevaría meses conocer por completo.
Y hay rarezas mayores en videos, ahí les van algunas: un filme escrito por Samuel Beckett, actuado por Buster Keaton y dirigido por Alan Schneider, seguido de artículos y copias de los libretos. Una película realizada en base a Un chant d´amour, la obra de Jean Genet. Tres entrevistas al maldito (uno de mis escritores preferidos, por si acaso) Louis Ferdinand Céline, verdaderas joyas para ver al genial clochard despotricar del mundo. Un documental de 47 minutos sobre Borges, con entrevistas. Tres muestras de las locuras del bueno de Joseph Beuys. Videos y música de Phillip Glass, el mismo que trabaja con Bob Wilson. Un documental sobre Peter Weiss, otro sobre un trabajo del gran coreógrafo Merce Cunningham. Y, como dice la canción de Silvio, por si eso fuera poco, tienen 16 minutos del Perro Andaluz de Buñuel, la versión fílmica que hizo el propio Guy Debord de su biblia de la impostura "La Sociedad del Espectáculo", conferencias de Lacan, archivos de los Dadaístas. Solo estoy mencionando la centésima parte. Y una de las cosas mejores es que los artistas presentados son deliberadamente de todo el mundo, así es que experimentar viendo cosas de un nombre que jamás en nuestras vidas hemos escuchado, también tiene un placer adicional: el placer de quebrar el eurocentrismo de la cultura.
Y no he mencionado de que hay un archivo igual de grande de música, conferencias (las conferencias de Barthes!!), poesía concreta, etnopoética. La reserva que tienen estos patas es terrible, no sé cómo lo consiguen, en verdad, pero antes de que pase algo, les recomiendo que se hagan devotos. Hallarán sorpresas que les permitirá alejarse de este mundanal mundo (el mundanal ruido era poca cosa).
Ahí les va el enlace. Provecho
lunes 31 de marzo de 2008
Quipu 2: Álvaro Díaz Dávila
El segundo autor elegido en esta nueva etapa del Proyecto Quipu es Álvaro Díaz Ávila, chiclayano de veinticuatro años, que estudió periodismo y que ahora dice dedicarse a algo “que no tiene nada que ver con eso”. Para esta quincena los jurados fueron Daniel Salas y Gustavo Faverón. Se le recuerda a quienes quieran participar que pueden enviar sus cuentos o poemas al correo gfaveron@gmail.com. Los cuentos no seleccionados para una quincena serán considerados para las quincenas siguientes.
EL JARDÍN DE LOS ONANISTAS
Álvaro Díaz Dávila
¿Qué estoy haciendo aquí? ¿Qué soy yo aquí? Soy un pincho parado.
(Fue lo que dijo el poeta chiclayano Juan Ramírez Ruiz en una reunión de amigos una noche cualquiera).
Bruno ha desaparecido y nadie sabe dónde está. Hace meses que salió de su casa y se perdió para siempre de la vida de todos. Hasta ahora lo siguen buscando, pero creo que ya sin esperanzas de encontrarlo. A medida que los meses han ido avanzando, el recuerdo de Bruno se ha convertido en un fantasma que se filtra en nuestras vidas, en nuestras conversaciones y en nuestros sueños. Ayer soñé, por ejemplo, que a Bruno se lo llevaba un cohete espacial que decía con letras negras “La Incertidumbre”. Por eso, yo al menos, no he dejado de pensar en él ni en las posibles razones de su desaparición; una desaparición que al principio resultó extraña, pero que después regresa a nuestras especulaciones como una escalofriante consecuencia lógica, como si el destino de Bruno se hubiera condenado a sí mismo a evaporarse, a desintegrarse voluntariamente en su propio y patético drama de un artista que no sabe quién ser.
Un día me dijo: “No sé lo que pasa, pero siento que todas las chicas con las que he estado son la misma, todas han sido la misma mujer solo que con diferente cuerpo, como si en cada una de ellas se repitiera un mismo prototipo, una misma forma de ver la vida”. Esa idea lo estuvo torturando por mucho tiempo. La vida de Bruno, como sus mujeres, se repetía constantemente desde niño, como dando círculos sobre lo mismo, y por alguna razón que no entiendo, un día Bruno se da cuenta de eso. Esas cosas no las entiendo. Era como si, de pronto, Bruno hubiera decidido despertar, o en todo caso, lo hubiesen despertado de manera imprudente y empezara a darse cuenta de que la vida consistía en algo más. Bruno a cada instante nos decía que de chico pensaba que la vida le tenía guardada una sorpresa, nadie se lo había dicho pero él estaba convencido de eso, y él mismo ha vivido --nos dijo-- como si su vida no fuera su verdadera vida, porque su verdadera vida vendría luego, y sería distinta, más divertida, pero eso lo pensaba desde niño, pero ha ido creciendo y creciendo y me he sentido muy pequeño, muy defraudado, todo es tan difícil, tan grande, tan lejos de mí, ahora me he convencido de que la vida no me tenía guardado nada, vida pendeja, y ahora estoy caminando a oscuras. Sus palabras.
Continuar el texto en la Página de QUIPU (aquí).
domingo 30 de marzo de 2008
Vargas Llosa y el teatro
Se podría decir que al Vargas Llosa dramaturgo le estropeó la carrera un gran escritor: el Vargas Llosa narrador. Y ello a pesar de que la vocación por el teatro en el gran autor arequipeño se manifestó mucho tiempo antes, y de manera no solo precoz sino abiertamente sincera, cuando escribiera "La huida del Inca" (1952) para ser montada en un espacio escolar. Vargas Llosa ha confesado varias veces en libros y entrevistas, que este "primer amor" por las tablas nunca lo ha abandonado a pesar de que lo consideró inviable en un país sin una industria teatral desarrollada, que lleva en su cartera aún el recuerdo del programa de ese primigenio estreno, y que ha conservado una pasión de espectador por el añejo arte de la representación.
Esa fascinación por la imaginería hecha de carne y hueso del teatro, por esa ficción total realizada a poca distancia del público, ha sido constante en muchos otros grandes escritores que se acercaron al teatro sin mucho éxito: fue pasión irrealizada en Cervantes, alegoría inatrapable en Cortázar, herramienta complicada en Vallejo. Pero la de Vargas Llosa parece ser una vocación dramatúrgica no solo latente sino también constante: ha dado a luz a la fecha seis piezas. La última, "Al pie del Támesis", viene siendo representada en el Teatro Británico de Miraflores, en Lima.
Pero me refería al irrefrenable efecto de disminución que provoca la literatura dramática producida por el autor peruano, cuando se la contrasta con su producción novelística. Y no es solo porque hay consenso en afirmar que la dramaturgia vargaslllosiana es una zona discreta de su producción -consenso bastante debatible si pensamos que ha sido hecho bajo criterios solo literarios. Es también interesante cómo las circunstancias de la fulgurante carrera de Vargas Llosa como narrador han opacado el éxito de algunos de sus dramas. Fue el caso del primer -y para mi gusto mejor- texto dramático de VLL, "La Señorita de Tacna" (1981), cuyo estreno por parte de Norma Aleandro en la Argentina tuvo un impacto mutiplicador, haciendo que a la fecha sea la más representada de sus obras teatrales. Sin embargo, el impacto que la crítica reconocería en "La Guerra del Fin del Mundo", aparecida exactamente ese mismo año en que se iniciaba la carrera dramatúrgica de su autor, minimizaría para siempre aquel éxito teatral. Ni las giras mundiales (si les da la curiosidad, échenle una mirada a estas dos críticas del NYTimes, aparecidas en 1987 y 1991, y al video de esta puesta en Miami), ni las numerosas reprises y montajes, pudieron rescatarlo.
El gran éxito de sus novelas en el mercado literario, varias de ellas celebradas como ejemplos mayores de la narrativa moderna, pospondría al dramaturgo por segunda vez gracias al imperativo categórico que mueve las carreras literarias como la de Vargas Llosa: todos sabemos que la verdadera "liga mayor" de la literatura en español es la narrativa, y que la escritura para el teatro es, en cierto modo, un ejercicio más cerrado, personal, o en el mejor de los casos, de éxitos discretos.
No sé si por eso Vargas Llosa ha guardado para sus dramas preguntas que ni sus novelas más celebradas han desarrollado tan detenidamente, sea por naturaleza o por simple imposiblidad retórica: en particular, los temas de la identidad personal, en especial sexual, y los cuestionamientos a la naturaleza esperpéntica de la escritura. Personajes como la ambigua Chunga, el acomplejado gay de Ojos Bonitos cuadros feos, (o, según leí, el "borderliner" contrapunto de Al pie del Támesis) se explayan con mayor libertad en el tablado, a la par que los autores-personajes como el iluso Belisario de la Señorita de Tacna o el mediocre Zavala en Kathie y el Hipopótamo, ven hacerse corpórea la pesadilla profunda de todo fabulador: la presencia incontrolable y desvirtuadora de sus imaginados personajes, levantados para negar a su supuesto creador.
Así, el Vargas Llosa dramaturgo, se revela de manera que intenta ser personal de una forma diferente. Sobre todo diferente de aquel masmediático opinólogo que parece gobernar al otro, al nostálgico y alucinado ser humano (como El loco de los balcones) amando y odiando un tiempo (pasado) y un lugar (lejano) que ya parecen completamente imposibles de recuperar. Quién sabe si se trata de ese tiempo y ese lugar que modificaron para siempre la obra del incipiente escritor de teatro que empezaba en 1952.
P.S.:Una nota sobre la reacción de Vargas Llosa al estreno de su más reciente obra, aquí.
martes 25 de marzo de 2008
Una Pasión, los Actores y Cuatro tablas
Todo empezó esta Semana Santa cuando la malísima televisión hispana que llega a Minneapolis, emitió un breve informe sobre un grupo de chicos chalacos que hacía, como todos los años, su representación de la Pasión. La cosa no fue tangencial. Recordé algunas otras cosas: que esa representación de la Pasión ha adquirido dimensiones de fiesta nacional, repetida en montones de lugares por grupos de aficionados (no es demérito, al contrario) en escenarios abiertos, con centenares de personajes y muchas horas de duración. Una de las más antiguas, la que se hace en Paucarpata, Arequipa, dura como 5 horas, y lleva a la gente caminando por varios centenares de metros de andenerías y cerros imposibles de mejorar con escenografías.
Pero la cosa se repite por todos lados: en el río Rímac se bautiza un Jesús cholo (y valiente!!), en los conos limeños se multiplican las versiones de los crucificados. Y sus pueblos las esperan: ¡esperan un espectáculo como parte de su Semana Santa! Por si eso fuera poco, la Pasión se da la mano con otras representaciones religiosas populares más antiguas, como las procesiones de aliento barroco en Ayacucho, donde las andas de la Virgen y de Jesús cautivo se encuentran en una plaza, sí, como en un espectáculo de teatro de objetos, pero también como los antiguos ritos de paseos de momias sacadas de las huacas. En Huancayo se hace una representación anclada históricamente en la resistencia cacerista, contada a manera de comparsa: bailando.
Lo que quiero decir es que el relato teatral de la peruanidad está diseminado, y que la teatralidad festiva nos rodea, nos posee, sobre todo en espacios como el religioso, que dificilmente aceptaríamos como próximo a nuestra tarea de creadores de escenas. Pero allí va, atiborrándonos de imágenes, de valores, y sobre todo exhibiendo una frondosa capacidad de convocatoria. Es esa matriz festiva la que nos vertebra, la que nos contiene y expresa: los peruanos seguimos razonando el mundo a manera de fiesta antigua, de saludo a los dioses, de jarana, comida, borrachera, alegría y miedo, todo junto. Por ello la Semana Santa se hace fiesta, y la fiesta se modela como espectáculo que llama a participar, que quiebra la cuarta pared, la tercera y la segunda.
No es de extrañar entonces que incluso el Día Mundial del teatro para nuestra comunidad teatral tome cariz de fiesta que emerge, que pondría a encogerse de hombros a los burócratas del ITI en París : nuestro Día Mundial avanza, se convierte en festivales, pasacalles, reclamos contra gobiernos regionales, y sobre todo, se vuelve derecho peruano a la celebración. Solo hace falta seguir la lista que se hace llegar por medio de Peruteatro con todos los sitios donde se programa actividades hechas por teatristas, para entender que estamos ante otra matriz de relación social. Y por eso también honramos a los mayores, como se honra en algunas fiestas populares de los Andes a los mayordomos que han tenido a su cargo la fiesta anterior: este año saludamos al fuera de serie Edgard Guillén y al imprescindible Hernando Cortés, así como a los entrañables Kusi Kusi. De igual modo, como siguiendo una pauta del inconsciente colectivo, el MOTIN ha promovido la colocación de una placa en la AAA que llama por su nombre a nuestros muertos, y que los trae a escena, como siempre en nuestro mundo de fiesta se ha hecho con aquellos que siguen vivos, solo que de otro modo.
Y las fiestas se prolongan, se explayan, ya lo vieron: se convoca la FITECA, se anuncia el nuevo Fietpo, el Festival de Acciones Escénicas, el Festival en El Agustino que organizará Waytay, la UCSUR convoca a su festival en abril, y finalmente, los Cuatrotablas anuncian Ayacucho 2008, y anuncian que el Perú teatral "oficial" (el del dinero) no quiso poner su mano interesada en ese Encuentro, y lo dejará seguir siendo lo que mejor ha sido desde hace 30 años: qunakuy, fiesta que se renueva sola y renueva su pacto con la vida. Sea así.